Dai film vietati ai minorenni agli spot per famiglie. Il divo del Porno ,Rocco Siffredi, è l’inedito protagonista della pubblicità ideata dall’azienda florovivaistica Interflora in occasione della festa della Mamma. Lo spot è in onda in questi giorni sui principali network televisivi.

La creatività è stata curata dalla Cabiria Film & Production, società cine-televisiva del regista e produttore Giacomo Franciosa. Franciosa, noto per aver lanciato in Italia il genere docufilm con il fortunatissimo ritratto sulla vita privata di Fabrizio Corona, “Il Ribelle”, sarà presto sul grande schermo con l’opera horror, Azzurrina, definita in USA il “nuovo paranormal activity”. L’originale rèclame gioca naturalmente sull’equivoco, creato dalla fama di seduttore irresistibile del popolare porno-attore. Siffredi ,seduto al tavolo di lavoro, ordina un mazzo di rose rosse al telefono, mentre è impegnato a valutare sullo schermo del suo computer i book fotografici di alcune modelle. L’omaggio floreale è però consegnato a domicilio dai solerti corrieri di Interflora alla “donna più importante della mia vita”, come recita nel claim il popolare attore, “la mia mamma”, la quale appare al suo fianco nel finale a sorpresa.

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Il Diavolo esiste davvero, parola di Padre Amorth! In uno sconvolgente docufilm realizzato in Vaticano dal regista Giacomo Franciosa, l’esorcista ufficiale della Chiesa Cattolica scioglie ogni dubbio: Belzebù non è una favoletta per bambini ma una presenza reale e attiva che interferisce ogni momento nella vita di ognuno di noi.

Il presbitero ottantotenne, che da giovane era un politico amico di Giulio Andreotti, illustra in una lunga testimonianza come il Maligno influisce sui comportamenti dei Potenti che reggono i destini dell’Italia e del mondo, dei personaggi dello Show e della stessa Chiesa, travagliata dagli scandali sessuali e finanziari. L’esorcista, vera chicca del docufilm, non parla in astratto ma correda tutte le sue sorprendenti rivelazioni con tanto di nomi e cognomi dei personaggi celebri citati! Don Amorth dedica una parte del suo racconto anche ai pericoli presenti nei media, dalla Tv ad Internet.

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“L’uomo deve poter scegliere tra bene e male, anche se sceglie il male. Se gli viene tolta questa scelta egli non è più un uomo, ma un’arancia meccanica”. (Stanley Kubrick, 1971)

Il 7 marzo del 1999 moriva a causa di un infarto uno dei più grandi registi mai transitati sul pianeta Terra, il più grande a detta di molti: Stanley Kubrick.

Nato a New York nel 1928, Kubrick si innamora in prima battuta della fotografia, e sarà proprio l’ossessione per la perfezione dell’immagine a farlo avvicinare, ventenne, al cinema. Impossibile e riduttivo ripercorrere la sua immensa carriera di regista, produttore, sceneggiatore, direttore della fotografia, scenografo ed antesignano degli effetti speciali qui, su questo foglio bianco, ma è doveroso un omaggio a colui che, attraverso la macchina da presa, ha sviscerato ogni aspetto dell’animo umano con un approccio sino ad allora mai visto.

Il più grande merito che gli viene riconosciuto, infatti, è quello di essersi confrontato, nel corso della sua lunga carriera, con tutti i generi cinematografici, e di averlo fatto ogni volta in maniera talmente innovativa, da divenire l’ispiratore indiscusso di gran parte della cinematografia successiva.

Potrei citare, uno ad uno, anno per anno, i capolavori nati dal suo genio, ma mi limiterò, egoisticamente, a ricordare Orizzonti di Gloria, per il genere drammatico; Spartacus, film storico; Lolita, dalla perfezione erotica di Nabokov; Il Dottor Stranamore, che mi facevano studiare all’università come miglior ritratto della Guerra Fredda; 2001, Odissea nello Spazio, il primo, vero, film di fantascienza; Arancia Meccanica, del 1971 (anche questo studiato a scuola) così violento da essere bandito dalle sale cinematografiche inglesi per decisione dello stesso regista. Barry Lyndon, miglior film storico, illuminato dalla luce di candele; Shining, dal romanzo di Stephen King, che ci ha terrorizzati tutti, su, all’Overlook Hotel, e impossibile non ricordare il sarcasmo antibellico manifestato da Kubrick nel miglior film di guerra mai girato sino ad allora: Full Metal Jacket, del 1987.

La sua carriera si chiude nel 1999 con la sua morte, senza aver avuto il tempo di vedere nelle sale il suo ultimo regalo al mondo, Eyes Wide Shut: sfido chiunque a trovare un altro film che, come questo, parli del dramma psicologico di una coppia, e che tratti meglio di così le tentazioni derivanti dall’istinto sessuale. Le tentazioni di tutti.

Lo so, li ho citati praticamente tutti, ma sarebbe un’eresia non ricordarli anche solo per un attimo, come sarebbe un grave peccato non parlare, ad esempio, dei film che Kubrick non ha mai girato, come Aryan Papers, in cui avrebbe voluto raccontare gli orrori della Shoah, ma a cui rinunciò perchè “Se davvero voglio mostrare ciò che ho letto e che è successo – e aveva letto tutto – come posso filmarlo? Come si può far finta?”.

Io non sono un’esperta di cinema, e mi scuso con gli addetti ai lavori se ho trattato il tema in maniera incompleta o poco adeguata, ma come tanti lo amo molto, il cinema, così come amo molto l’animo umano, ed è giusto che ognuno di noi scelga da che parte stare: io sto con Kubrick.

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Un film di Wes Anderson/ Con Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jared Gilman, Kara Hayward, Harvey Keitel/ Titolo originale: Moonrise Kingdom/ Genere: Commedia drammatica/ Durata: 94 min./ USA 2012

Forbici da mancino, il disegno incorniciato di un’abitazione bianca e rossa e una cartella appesi alla parete. Un mangiadischi azzurro disposto su una mensola. Lento si avvia, stanza dopo stanza, arrampicandosi su e giù per le scale della magione Bishop, un lento, lungo piano sequenza orchestrato con la minuzia di una sonda sottomarina. Tre marmocchi ascoltano il disco di Benjamin Britten, Guida del giovane per l’Orchestra, passaggio in cui i vari strumenti sono separati e identificati. Nel mentre una ragazzina, sguardo severo-occhi bistrati d’azzurro, binocolo alla mano, osserva il mondo esterno da una finestra, quasi attendesse l’arrivo di qualcuno o qualcosa.

Il signor Bishop se ne sta in panciolle sul divano, sguardo vacuo, perso nel vuoto. La padrona di casa, sciatta alla pari dei vestiti che indossa, aspira avidamente da una sigaretta preparando la cena, tentando di comunicare con i membri della famiglia tramite l’uso di un megafono.

Ambientato su un’isola al largo della costa del New Ingland nell’estate inoltrata del 1965, Moonrise Kingdom (ottava pellicola del texano Wes Anderson) è la storia dolce e malinconica di due dodicenni: Sam (Jared Gilman) e Suzy (Kara Hayward). Entrambi si innamorano pianificando una fuga alla larga da genitori menefreghisti, scouts pronti ad emarginare indifesi e diversi, orfanatrofi e famiglie affidatarie su cui fare scarso affidamento.

A far da corifeo alla storia narrata, uno stravagante meteorologo, cartografo e storico (Bob Balaban). Cappello da marinaio calcato sul capo e occhiali spessi così, appare dal nulla quasi una versione sui generis di Steve Zissou (Le avventure acquatiche di Steve Zissou, Wes Anderson, 2004). E’ lui in persona a predirre l’imminente tempesta pronta ad abbattersi sull’isola nel lasso di pochi giorni, uragano volto a stravolgere le già complicate vicissitudini di inseguitori e inseguiti. Anderson intesse con con delicatezza da fiaba carica di spunti autobiografici la realtà di due preadolescenze emarginate da adulti e coetanei. Suzy e Sam bramano fuggire a gambe levate da un mondo per loro incomprensibile, avido di derubarli d’innocenza e fantasia. Suzy si estranea dal mondo circostante tuffandosi a capo fitto nella lettura di libri derubati dalla biblioteca le cui protagoniste possiedono poteri magici e misteriosi.

Tutte, dalla prima all’ultima, sono rigorosamente orfane. (“Io ho sempre desiderato essere orfana. I miei personaggi preferiti lo sono. Credo che abbiate vite più speciali”, “Io ti amo, ma tu non sai quello che dici”.). Sam, orfano sballottato da istituto a istituto, così come la sua compagna di viaggio, ha la nomea di disadattato. Il loro viaggio verso un luogo vergine, tutto per loro, è il disperato tentativo di mantenere intatti i sogni per un futuro migliore.

Così il tuffo nella baia parrà il prosieguo mancato di un’antica istantanea in bianco e nero: quella di Antoine Doinel (I quattrocento colpi, Truffaut). Ma allora la perdita della poesia e dell’infanzia era un miraggio lontano da inseguire perseverando in una corsa senza fiato.

L’isola dipinta ad acquerello da Anderson appare una via di mezzo tra la dimora di Prospero (popolata da venti e creature aeree) e L’isola che non c’è. Così, quasi rileggendo le pagine di Barrie, svelta apparrà l’immagine di Suzy, cantastorie di fiabe e mamma adottiva per i ragazzi sperduti.

Di contrasto alla realtà plasmata su misura dai due protagonisti, quella residenziale popolata dagli adulti dell’isola, tutti consapevolmente identificati con le loro mansioni ufficiali. Un poliziotto perennemente in divisa che assicura o quantomeno dovrebbe assicurare l’ordine. Una donna dura e zelante che porta il nome di Servizi Sociali e ricopre nell’ambito della narrazione il ruolo di cattiva per eccellenza: una perfetta matrigna calzata e vestita. I coniugi Bishop (Bill Murray e Frances McDormand), avvocati e consiglieri, discorrono di casi legali in corso a letto, prima di coricarsi mentre il primo capo scout (Edward Norton), fumatore incallito e bevitore di whisky, considera la sua professione precaria quale fondamentale (“Io sono prima un capo scout e poi un professore di matematica”). A sfidare quest’universo ordinato, due dodicenni. Il loro amore ha la purezza di un mitico lontano passato cavalleresco, suggerito dal nome della base scout (Ivanohe Camp). Una storia esilarante e riflessiva tra sprazzi di pura poesia che lacera la comunità protagonista per poi ricompattarla saldamente.

Un film di Michael Haneke/ Con Jean-Louis Trintignant, Emanuelle Riva, Isabelle Huppert/ Genere: Drammatico/ Durata: 105 min./ Francia, Austria, Germania 2012

Salotto di un’ampia dimora borghese. Georges, uomo sull’ottantina, siede alla poltrona. Quasi ipnotizzato, osserva il pianoforte a mezzacoda presente nella stanza. Innanzi allo strumento, Anne: compagna per la vita, musicista, alla pari del marito. Elegante figura, sfiora i tasti bianco e neri a evocare note familiari di un improvviso schubertiano. Le pagine dello spartito s’involano, sfogliandosi una dopo l’altra, leste, senza pause: un preludio che vorrebbe sovvertire le leggi del tempo, costretto suo malgrado a chinare il capo innanzi alle regole della “fuga”. I giorni si susseguono per lasciar posto agli anni anche per una coppia “accordata” alla perfezione. Ora una vecchia bambina riposa mollemente su un guanciale di petali. A turbare la sua quiete, polizia e vigili del fuoco: indagano gli interni domestici, ipotizzano eventi alla ricerca del perché e del per come.

Il regista austriaco Michael Haneke è senz’altro il “capo procuratore” dei peccati dell’uomo moderno. La sua rappresentazione della disumanità insita in personaggi apparentemente intoccabili nella loro masquerade di civiltà ha sollevato strepiti al suono di parole aspre tali “sadismo cinematografico”. Nessuno, tuttavia, potrà contestare quella padronanza nel dirigere le scene di moderni psicodrammi tali “La pianista” (2001) e “Caché” (2005) fino all’epico “Il nastro bianco” (2009), pellicola che ritrae il collettivo senso di colpa in una città tedesca vent’anni anni prima della nascita di Hitler.

“Amour” (Palma d’Oro al Festival di Cannes 2012) può constare di numerose pietre di paragone- retroterra dell’opera del cineasta: stile visivo austero e maestoso, una coppia al centro della storia, un ambiente chiuso al limite della claustrofobia che non consente via di fuga ai personaggi e ai loro demoni.

Georges (Jean-Louis Trintignant) e Anne (Emmanuelle Riva), sono una coppia ottuagenaria: insegnanti di musica in pensione. La prima scena del film li ritrae sperduti tra il pubblico in una grande sala. Haneke usufruisce di un piano fisso per cui spetterà all’occhio vigile dello spettatore farsi strada fra le tante e tante e tante facce per “rintracciare” i protagonisti. Sarà sufficiente un briciolo d’attenzione per vederli parlottare, seduti in terza fila, ansiosi di assistere al concerto di un allievo d’antica data di Anne. Di rientro a casa, la coppia si accorge di un tentato furto ai danni dell’appartamento. La serratura è stata evidentemente forzata. Quasi un presagio del poi, qualcuno o qualcosa ha cercato di introdursi nel nido protetto per guastarne la placidità, portando scompiglio. Da quel momento nulla sarà come prima. I segni di un silenzioso malessere si insidiano nelle membra di Anne sì da causarle prima una paresi al lato destro del corpo, poi la totale immobilità per una non vita di indifesa fanciullezza, d’impotente afasia. La donna diverrà peso morto, crisalide di dolore aggrappata a un letto.

Non solo le rughe dell’età, ma sgomento e paura incidono ora il volto di Trintignant: la persona che amava e ama sta iniziando a svanire davanti ai suoi occhi. Dopo aver promesso ad Anne di non riportarla mai più in ospedale, Georges è sottoposto alla crescente responsabilità di prendersi cura di lei personalmente. E tuttavia le scene più angoscianti del film sono le prime: piccoli indizi che Haneke sparge per via a inizio pellicola. Qualcosa non va. Anne si sveglia nel cuore della notte fissando il vuoto, attonita. Successivamente ella garantisce al marito che nulla è accaduto. E’ lei a rassicurarlo: tutto va bene, l’uomo può tranquillamente scacciare i cattivi pensieri. Ma la mattina dopo, a colazione, la donna cambierà “forma”, assumendo le fattezze d’immobile simulacro. Quasi una statua, il suo bel volto mite riporterà i segni di una serenità mortuaria.

Da allora la casa sarà barricata, luogo d’assedio tra vita e morte. In tal modo le preoccupazioni degli altri (amici e parenti stretti) saranno mal accette e percepite come prive di significato.

Con il coraggio di chi teme di perdere il più prezioso dei beni, Georges si troverà suo malgrado solista di una danza macabra al fine di strappare Anne dalle tenebre per riabbracciarla così come era un tempo. Ma la luce della donna amata sta iniziando a svanire.

Haneke ci pone innanzi a quesiti di forse inarrivabile risposta. Cos’è l’amore e cosa accade quando la metà di una coppia si ritrova sola e spezzata? C’è un modo per far fronte a tutto questo? La vita è sempre degna di essere vissuta? Una luce invernale mescolata ad una palpabile sensazione di semioscurità pervade l’intera pellicola. Il dramma da camera si snoda tranquillamente sotto nuvole grigie. Non c’è tempesta, solo cambiamenti graduali: un giorno, una settimana, un mese, quello successivo. L’appartamento è altresì teatro per le storie dei protagonisti. In esso convivono passato, presente e futuro. In Haneke il mito della morte esplode con la violenza di un evento pubblico: qualcosa da condividere, attorno a cui radunarsi per partecipare di lacrime e agonia. L’autore affronta la realtà della malattia, ma la sua “missione” non è soltanto quella di mettere in mostra un ritratto realistico della fine (anche se questo fa parte del processo). Più di questo, egli brama esplorare le emozioni e gli istinti della coppia: l’orgoglio, la disperazione, la perdita imminente, l’empatia e i suoi limiti. Ci sono emozioni forti in gioco, ma anche un pragmatismo intenso. Georges ha fatto una promessa ad Anne (“Per favore non riportarmi in ospedale…Prometti…Promettimelo.”). Tra i suoi tanti significati e molteplici chiavi di lettura, “Amour” è anche un film sulla fedeltà e sulla forza di mantenere la parola data fino alla fine.

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Con Fellag, Sophie Nélisse, Danielle Poulx, Jules Philippe, Emilien Néron/ Titolo originale: Bachir Lazhard/ Genere: drammatico/ Durata: 94 min./ Canada 2011

La musica di Martin Léon scivola lenta sui titoli di testa mentre un rullo di pittura color azzurro pallido ricopre a nuovo le pareti dell’aula scolastica. E’ qui che Martine Lachance si è tolta la vita, è qui che ella ha forse voluto comunicare “un messaggio violento”. “Ma non si può punire Martine Lachance perché Martine Lachance è morta”.

Philippe Falardeau e Monsieur Lazhar mettono davanti allo specchio l’infanzia e la cruda realtà di una prematura dipartita cercata e voluta tramite un atto di mera disperazione. E’ qui che interverrà il neo-maestro di scuola Bachir: un uomo tra i tanti, un “diverso”, rifugiato politico da terra algerina. Ad Algeri “La blanche” egli ha perso quanto più amava: la moglie e le due figlie. “Crisalidi” inermi prenderanno fuoco in un attentato terroristico. L’uomo, ex funzionario, poi proprietario di un ristorante, è solo in terra straniera: un’algida Montreal, coperta da una spessa coltre di neve. Lazhar (uno straordinario Fellag), uomo d’estrema cultura, si improvviserà insegnante per raccogliere l’eredità della moglie, per ritrovare nella fragilità dei suoi allievi la tenerezza delle figlie strappategli via con la forza.

Il pluripremiato Philippe Falardeau è stato recentemente incluso da Variety 2012 all’interno della lista dei 10 cineasti da tenere d’occhio. Noto per “La moitié gauche du frigo”, “Congorama”, e “C’est pas moi, je le jure!”, il suo quarto lungometraggio, Monsieur Lazhar ( candidato all’oscar 2011 quale miglior pellicola straniera), è un adattamento dalla pièce teatrale “Bachir Lazhar” scritta da Évelyne de la Chenelière. Dice Falardeau: “Sono stato toccato dal protagonista. Ho pensato che fosse un personaggio ricco e che avrebbe potuto essere abbastanza ricco per un film. Mi interessava la questione riguardante l’immigrazione e volevo utilizzarla internamente al percorso filmico. Non necessariamente per parlare di immigrati, anche se avrei voluto farlo, ma per raccontare noi stessi attraverso gli occhi di un immigrato. Il film si svolge in una scuola e discorre un po’ su chi siamo e dove siamo, ma attraverso gli occhi di qualcuno che ha origini diverse”.

Il cineasta franco-canadese scrive una sceneggiatura a partire da zero mettendo in atto un investimento creativo non sottovalutabile. Internamente all’allestimento filmico si viene a trovare vis à vis con un protagonista, un carattere forte. Il momento della creazione si dipana attorno a lui. C’è bisogno di tensione drammatica per sostenere l’interesse del pubblico. L’allievo protagonista di Monsieur Lazhar ( Simon) è totalmente assente dallo spettacolo teatrale pertanto il rapporto che ha intrecciato con l’ex insegnante e il suo successivo senso di colpa non fanno parte della messa in scena teatrale. Falardeau aggiunge così personaggi e situazioni accanto al personaggio principale.

Da quanto si vede nella pellicola in Canada un insegnante di scuola muore e un uomo qualunque si presenta dicendo: “Io posso insegnare” e viene assunto all’istante. Nel sistema educativo privato e nelle scuole private il “principale” è praticamente un dittatore. Egli può assumere chiunque gli aggradi. Naturalmente la preside compie un errore madornale. Ma se non lo avesse fatto non avremmo avuto alcuna storia. Monsieur Lazhar dice la verità al funzionario dell’immigrazione e al tempo stesso insegna “abusivamente” in una scuola. E lo fa per buone ragioni. Egli sa di poter aiutare i “suoi” bambini, ma ha anche un bisogno intimo, fisico, di trovarsi in quel determinato luogo. E’ un insegnante “accidentale”.

E’ triste che alla fine non possa rimanere nella scuola, ma al tempo stesso il personaggio non è stato concepito per essere un insegnante per il resto della sua vita. In quel particolare momento egli rappresentava la persona giusta al momento giusto.

In qualsiasi luogo si abbia a che fare con numerosi enti sociali ( i genitori, il Ministero della Pubblica Istruzione, consiglio scolastico, insegnanti) si ha la necessità di un numero infinito di regole. Si cerca di prevedere tutto quel che può accadere e tutto diviene estremamente rigido. La preside e gli altri insegnanti non vogliono parlare della morte perché non vogliono sopraffare i bambini. Cosa che è già accaduta. Si ha anche questa esigenza: utilizzare specialisti per tutto, invece di usufruire della persona che è lì ogni giorno con loro, l’insegnante, per parlare di morte e suicidio. Nel film è la psicologa ad entrare in aula e a mettere da parte Lazhar nonostante il maestro non creda sia una buona idea. L’uomo ritiene che dovrebbe spettare a lui soltanto il compito di discutere con i bambini. E’ questione di fiducia nel potere delle parole e della comunicazione.

La fine del film è la correzione di una favola. Questo sarà il modo di Lazhar per dire addio alla classe. Attraverso un nuovo atto di insegnamento e comunicazione egli potrà accomiatarsi. Allora la piccola Alice deciderà spontaneamente di tornare in classe. La bimba ha bisogno di un abbraccio, vuole un abbraccio: lei lo chiede e Bachir contraccambia. Il gesto appare quasi un atto di ribellione: recarsi in un luogo e trasgredire un tabù, fare ciò per cui tutto ha avuto inizio. E’ stato presumibilmente un abbraccio a dare il via al dramma : un abbraccio tra Simon e la sua insegnante.

Dice Falardeau a proposito di Fellag e della scelta che lo ha condotto a farne il protagonista del suo film: “E’ divertente perché è un cabarettista. Mi è piaciuto il suo aspetto. Sono andato a vederlo a teatro. L’ho ascoltato. Egli ha dovuto abbandonare il suo paese a causa della guerra nel 1990. In tal modo conosceva intimamente il carattere del protagonista e ho pensato che avrei potuto utilizzarlo nel film. E’ anche un autore. Scrive romanzi e ha una grande sensibilità. Siamo diventati amici. Non era esattamente quel che stavo cercando in termini di “prestazione”. Era troppo teatrale per me. Un giorno mi disse: “So che pensi che io sia troppo teatrale, ma lavorerò duramente per questo film”. Così mi ha convinto . Come Bachir Lazhar anche Fellag non ha voglia di parlare troppo del suo passato, anche con i giornalisti. Non vuole che diventi un onere per le persone attorno a lui. Ha bisogno di tagliare i ponti con il suo passato per andare avanti”.

Si e’ suicidato lanciandosi da un ponte vicino a Los Angeles il regista e produttore cinematografico Tony Scott. Lo ha reso noto il medico legale della contea, spiegando che non si conoscono i motivi del gesto estremo. Scott e’ arrivato ieri, intorno alle 12,30, in prossimita’ del ponte, ha parcheggiato la sua Toyota Prius, ha scavalcato la recinzione e si e’ lanciato nel vuoto. Il suo corpo e’ stato recuperato in acqua tre ore dopo.

Scott, 68 anni, fratello di Rdley, aveva diretto blockbuster del calibro di ‘Top Gun’, che trasformo’ Tom Cruise in una vera star, ‘Giorni di tuono’, ‘Allarme Rosso’, che segno’ l’inizio della collaborazione con Denzel Washington, fino all’ultima pellicola, ‘Unstoppable’, che nel 2010 ha incassato ben 130 milioni di dollari. Proprio in questi giorni correvano voci su un probabile sequel di ‘Top Gun’ con Cruise. Scott lascia la moglie Donna e due gemelli.

Un film di Timur Bekmambetov/ Con Dominic Cooper, Mary Eliasbeth Winstead, Rufus Sewell, Alan Tudyk, Jimmi Simpson, Frank Brennan/ Titolo originale : Abrahm Lincoln: Vampire Hunter/ Genere: Horror/ Durata: 105 min./ USA 2012

Martedì quattordici agosto 2012. Torino: città vuota, fischiettando Mina. Dopo l’apocalisse, poco ci manca. Esco di pomeriggio. L’ora peggiore. Caldo, troppo. Afa, indomabile, si raduna in gocce di sudore a fiotti. Fastidiosissime. Cinema Ideal. Ok, lo ammetto. Giunta alla cassa, un po’, giusto una puntina di pudore, quel tantino di vergogna che basta, mi ha assalito. “Un biglietto per ‘La leggenda del cacciatore di vampiri’ “. Mi accomodo e sono sola, totalmente smarrita in sala per una pellicola che si prospetta a dir poco terrificante. C’è che io questo film lo devo vedere. Mi par quasi un obbligo morale: incoraggiare l’ardire e l’originalità d’idee di ‘giovani’ cineasti promettenti. Timur Bekmambetov, classe ’61 (Accanito fumatore di stupefacenti vari, aggiungerei io. Il suo pusher di fiducia? Non lo conosco. Arrangiatevi). Segnatevi questo nome. Di strada ne farà e molta. Dice di lui “Mymovies”, sito per cinefili puri di disarmante sincera affidabilità: “Regista abilissimo, ma spesso un po’ grezzo nella sua forma. Ha raggiunto la fama (e Hollywood) con pellicole fantasy piene di virtuosismo visivo fra il pulp e Matrix”. Wow! Le aspettative aumentano. Se poi consideriamo che Tim Burton si è scomodato per la produzione della pellicola, beh, c’è poco da scherzare. Seth Grahame-Smith, cosceneggiatore, romanziere d’eccellenza: dalle sue pagine è tratta l’opera del regista made in Kazakhistan: “Abrahm Lincoln: Vampire Hunter”. Io premierei siffatto bipede a prescindere. Per chi ne sapesse poco o nulla, ecco qualche informazione in materia di sinossi. Il venerando Padre degli Stati Uniti d’America, Abramo Lincoln, nasconde un torbido e oscuro passato. La sua infanzia fu segnata prematuramente dall’omicidio materno da parte di un insaziabile vampiro. Il giovane Abe (!), armato d’ascia d’argento, si metterà pertanto alla ricerca di tanto efferato criminale per compiere la sua vendetta. Nel mentre, chi ti va a incontrare? Un cacciatore di vampiri professionista che, personalmente, a “Buffy” fa tanto di spernacchioni. Insieme progetteranno un piano diabolico: sterminare, in due, un’intera etnia zannuta propagatasi nel Sud, in quel di New Orleans sì che la guerra di seccessione sarà scontro all’ ‘ultimo sangue’ tra umani-nordisti e perfide creature del male-sudiste.

Scene cult. Abe il giovane rincorre l’antico omicida materno zompettando di cavallo in cavallo, per una mandria di equini scatenati che paiono usciti direttamente da “Cuori ribelli” ( Kidman e Cruise sono ancora in terapia). Combattimenti umani contro vampiri che paiono scaturiti dalla miglior regia di Zahng Yimou: cose che anche ne “La foresta dei pugnali volanti” voi umani non potreste immaginarvi. Levitazioni aeree, colpi di kung fu per una spettacolarità d’immagini da lasciar col fiato sospeso. Paura, a mille. Che poi…una cosa mi ha sempre lasciato perplessa ( lode e gloria a san Murnau). Ma…i vampiri non temono la luce del sole? Voglio dire: in teoria (da quel che l’umile sottoscritta ha letto sulle leggende di siffatte creature del demonio) costoro, per l’appunto, aborrono il giorno (Altrimenti le bare a che servirebbero? Non mi togliete le bare!) e a un solo raggio dell’amico termoregolatore lassù schiattano all’istante, crepano, si inceneriscono. E invece no. Devo resettare le mie anteriori conoscenze. Ok, nel “Bram Stoker’s Dracula” di Coppola, Gary Oldman, novelllo Zucchero Fornaciari, si aggirava per le strade di Londra abbigliato di bombetta e occhiali da sole. Ma, dio mio, rimane pur sempre un film di Coppola e non me la sento di far paragoni imparagonabili. Ne “La leggenda del cacciatore di vampiri”, i mostri di sangue bramosi si aggirano tranquillamente per via in pieno giorno. Notare: gli occhiali da sole in puro Ray-Ban style. Bekmambetov, suvvia, anche Coppola mi vai a plagiare: un po’ di dignità professionale non guasterebbe.

Un’ultima cosa e poi la finisco perché davvero ho esaurito parole e umani sforzi. La pellicola è vietata ai minori quattordici (grasse risate di sottofondo).

Ricordo: quando uscì la versione final cut dell’”Esorcista” la proibizione fu la medesima. Distributori, o distributori italiani! Ve la butto lì, come consiglio, spassionatissimo. Una piccola svolta alla presentazione del film: cambiare di netto il “genere”. Direi che un “commedia brillante” calzerebbe a pennello.

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Tre premi per “Io sono Li” di Andrea Segre al Bobbio Film Festival 2012 diretto da Marco Bellocchio. La pellicola si è aggiudicata il “Gobbo d’Oro” della giuria come migliore film, il premio del pubblico e il premio “Ciabe”, istituito in ricordo di Beppe Ciavatta. A ritirare i riconoscimenti l’attore Giuseppe Battiston, interprete del film

IO SONO LI

Un film di Andrea Segre/ Con Zhao Tao, Rade Serbedzija, Marco Paolini, Roberto Citran, Giuseppe Battiston/Genere: drammatico/ Durata: 100 min./ Francia, Italia 2011

Io sono Li/ Andrea Segre

Andrea Segre, veneto, classe 1976. Dottore di ricerca e docente di Sociologia della Comunicazione presso l’università di Bologna, inizia il suo percorso dietro la macchina da presa come realizzatore di documentari. Nel 2009 è insignito di menzione speciale al Bif&st per “Come un uomo sulla terra”. Nel 2010 dirige “Il sangue verde”, presentato alla ventunesima edizione del Festival del cinema africano, d’Asia e America Latina di Milano. Il suo primo lungometraggio di fiction, Io sono Li, debutta alla sessantottesima Mostra del Cinema di Venezia nella sezione Orizzonti.

“Il film nasce da una storia vera. Dall’incontro con una ragazza cinese che lavorava dietro al bancone in un’osteria frequentata da pescatori a Chioggia. Guardandola nascevano gli spunti per il racconto” (Segre).

Ascolta. Il fruscio è impercettibile. L’esile mano di donna appoggia a fior d’acqua una barchetta di fuoco: fiore di carta rosso carminio solca leggero il canale in notturna.

Shun Li ( Zhao Tao), immmigrata cinese, trova lavoro in una fabbrica tessile romana. Il suo percorso di estranea in terra straniera verrà a scontrarsi con i ricatti e le promesse stentate e poco affidabili della mafia orientale italiana. Li sopravvive in attesa della “notizia”: il giorno in cui avrà estinto i propri debiti e potrà riabbracciare il figlio, abbandonato a forza in terra di Cina. Breve sarà il passo che la condurrà da Roma a Chioggia. Un nuovo lavoro: barista dietro il bancone di un’osteria. I problemi di carattere pratico non saranno pochi per la giovane donna: prima fra tutti la barriera linguistica, vero e proprio ostacolo ad allontanarla ulteriormente dalla realtà umana locale. Fondamentale sarà l’incontro con Bepi ( Rade Serbedzija) , il ‘poeta’, vecchio pescatore jugoslavo immigrato in Italia da trent’anni. Tra i due si instaurerà un rapporto di complice affetto e reciproca comprensione, ostacolato da pregiudizi e malignità insiti nel carattere degli ‘indigeni’ locali. “Io sono Li è anche un modo per parlare del rapporto tra individuo e identità culturale, in un mondo che sempre più tende a creare occasioni di contaminazione e di crisi identitaria. E, Chioggia, piccola città di laguna con una grande identità sociale e territoriale, è lo spazio perfetto per raccontare con ancora più evidenza questo processo”( Segre).

“La laguna è femmina e il mare è maschio”. Tenera, accorata, la voce di madre che scrive al figlio in una terra bagnata dal mare, terra di pescatori come quella di lei. Le parole di Li si fanno canto di struggenti armonie in un italiano praticato tra stenti e fatica. Il dolore, il turbamento, celati spesso da sorrisi che illuminano, segnano i lineamenti della protagonista. Esemplare la scena del viaggio in autobus verso Chioggia. Pioggia che batte e appanna i finestrini, occhi lucidi, persi lontano, in quell’altrove che bene si identifica con il nome della protagonista. Ella rimarrà, col cuore e il pensiero, eternamente lì: in quel laggiù, lontanolontano, là dove affondano radici e identità personale. Quel laggiù dove vive il figlio.

E poi c’è Bepi, il poeta-pescatore, colui che improvvisa versi all’impronta tra le mura della Taverna Paradiso. Esule a suo modo, da terra jugoslava, pur integrato nella realtà locale da trent’anni. E accade per caso. Che due realtà così lontane e vicine al medesimo tempo si incontrino abbracciandosi l’un l’altra.

Che lo smarrimento di lei trovi empatica comprensione in una carezza di lui. La mano dell’antico pescatore sfiora i capelli di Li. Due storie lontane in apparenza si compenetrano, intrecciandosi vicendevolmente, due anime disperse trovano reciproca comprensione in un affetto profondo fatto di brevi accenni e rare parole. Ad estinguere sul nascere una amore ancora in germe, la reazione dei locali chioggiotti, diffidenti nei confronti di una realtà umana distante e incomprensibile. A mettersi di mezzo, tra Bepi e Li, interverrà allo stesso tempo la mafia orientale, poco propensa all’intrecciarsi di qualsivoglia rapporto tra immigrati e popolazione italiana. I due dovranno separarsi a forza. Li farà ritorno alla vecchia fabbrica tessile.

Segre dirige con mano ferma i suoi interpreti. Al via delle riprese gli attori hanno ormai praticato, per volontà registica, un lungo percorso d’integrazione nella realtà chioggiotta. Per rendere credibili i caratteri, per accostare e dare spessore a personaggi rappresentati da peformers professionisti e non. “Ho chiesto a loro di conoscersi a vicenda. Ho chiesto di lasciare spazio a contaminazioni irrituali. Citran ha passato delle mattinate al mercato ittico, Battiston ha viaggiato a cento all’ora in barchini di vetroresina in laguna, Paolini è uscito a pescare con pescherecci e piccole barche da laguna. Ognuno di loro aveva un suo accompagnatore nella realtà che poi è diventato anche attore nel film. Contemporaneamente ho chiesto ai non professionisti di trovare un modo per “farsi capire” dagli attori professionisti. E’ stato il modo per far loro capire cosa significava recitare” (Segre).

Alla fotografia un maestro incontrastato del cinema italiano, Luca Bigazzi. La laguna, il mare, i pescherecci. Bigazzi intesse ora a tinte pastello ora accese giochi di luce a dare vita e concreta umanità ad ambienti, oggetti, personaggi.

A fine pellicola, estinto il debito e pervenuta la notizia, Li riabbraccerà il figlio lontano. Tornerà a Chioggia per ritrovare Bepi. Troppo tardi. L’uomo è morto lasciando a Li una lettera mai pervenuta. Un fiore di fuoco sperduto in mezzo al blu del mare, in mezzo alla laguna. Un rogo d’onoranze funebri, come si conviene a un vero poeta. Queste le ultime volontà del pescatore croato.

“E mai mi sono sentito così profondamente distaccato da me e nello stesso tempo così presente nel mondo” (Albert Camus)

L’incipit è montaggio di incastri: primi, primissimi piani in bianco e nero si lasciano sfogliare dallo spettatore, quasi un grosso album di fotografie. Un film girato in stile documentaristico, Detachment. Le prime immagini sono strutturate come un’intervista: professori demotivati che si sono dedicati all’insegnamento per puro ripiego. La pellicola si fa così critica ed esplorazione del sistema scolastico americano. Tony Kaye detesta i film di puro intrattenimento. Al cineasta interessano questioni morali e sociali importanti (Lake of fire aveva trattato senza peli sulla lingua  il tema dell’aborto, American Histotry X era una pellicola sulla questione del razzismo). Detachment parla anche della famiglia, dell’importanza della famiglia: la famiglia è tutto. Il distacco è quello di essere un genitore; Henry Barthes (un emozionante Adrien Brody), il protagonista, troverà la sua strada, quando deciderà di abbracciare un futuro che comporti la cura di una giovane anima perduta, Erica ( la rivelazione Samy Gayle).

L’autore inglese ha diretto prevalentemente  spot pubblicitari e video musicali. Da questa sua formazione, l’idea di disegni animati col gesso su un’immaginifica lavagna: raffigurazione dei pensieri dei personaggi, descrizione dello stato emotivo delle scene di riferimento.

Il film è la storia di un uomo che si perde e nel dolore cerca di nascondere i veri problemi della sua esistenza. Egli è in costante fuga dalla realtà, come fosse coperto da una grande tenda nera che non può vedere. Questa tenda è il suo ego. Henry Barthes, giovane supplente, si trova costretto a ‘migrare’ in un’altra scuola. Dalla vecchia struttura scolastica a quella nuova c’è una gran differenza. L’uomo comincerà a cambiare: la sua visione del sistema scolastico diverrà sempre più cinica.

Girato in stile documentaristico, con svolazzi e stilizzazioni dietro la macchina da presa, Detachment si pone come esplorazione sui nervi dell’apparato educativo. Fil rouge, voce narrante della storia è lo stesso Henry, ripreso in primo piano su fondale scuro.

Qual è il dovere di un insegnante? Preoccuparsi di allievi problematici e disagiati o disinteressarsi di loro per innalzare il prestigio della scuola, abbandonarli, integrando il ‘personale allievi’ con ragazzi ‘normali’, motivati all’apprendimento? Il liceo dove Henry presta supplenza sarà presto destinato alla chiusura. “Molti insegnanti qui, ad un certo punto, hanno pensato che avrebbero fatto la differenza. So quanto è importante essere guidati e avere qualcuno che ti aiuti a capire la complessità del mondo in cui viviamo. Io non ho mai avuto nessuno mentre crescevo”. (Henry Barthes)

Il protagonista ha paura di diventare padre, assumendosi responsabilità per lui troppo onerose in un periodo segnato da angosce e disperazione. Paura: per il fatto di non essere all’altezza ( in seguito all’abbandono paterno all’età di sette anni). Paura per non aver mai avuto alle spalle un solido nucleo familiare sui cui poter fare conto. Un nonno, forse stupratore della madre. Una madre: alcolizzata, in perenne crisi, presto suicida. I ricordi di infanzia di Henry, tasselli nella mente del protagonista che emergono sempre, con prepotenza, saranno immagini confuse, girate con camera a mano, sgranate e sature di cromatismi-filtri sanguigni. “Ogni volta che ci penso io dico che c’era una sensazione. Credo in me stesso. Sono giovane e sono vecchio. Mi sono annoiato a morte così tante volte. Non ce la faccio più, sono andato. Sono come voi”. (Henry Barthes)

Cosa significa essere insegnante in una realtà disagiata? Rivelatrice sarà la voce di Dean Vargas, professore in perpetuo ‘congedo’; egli non farà altro che lasciare messaggi sulla segreteria telefonica della scuola, approntando scuse per non recarsi al lavoro. “E’ una faticaccia questa vita. E’ attesa, interruzione, espulsione, incontri coi docenti, rinvii di documenti, genitori assenti e i loro figli pericolosi. Loro sono la paura del dolore. Sputano sulla mia anima. Questa umiliazione finirà. La disciplina verrà ristabilita. I ragazzi ci tengono al guinzaglio. Siamo noi quelli sotto giudizio. E’ come una dannata follia. Ogni ragazzo ha valore? E’ informato e merita un’educazione? Dannati ragazzini che non hanno desideri! Nessun fuoco. Nessuna mente da nutrire.” (Dean Vargas)

Il primo incontro tra Henry ed Erica avviene su un autobus. Primissimo piano di Henry che piange disperato (dopo aver fatto visita alla clinica in cui è ricoverato il nonno). Dettagli delle calze  a rete,  scarpe col tacco e minigonna di Erica che pratica sesso orale ad un cliente. La giovane è la pietra angolare del quadro perchè è un personaggio collegato ad Henry,
fa parte di Henry. Dice il regista: “ Ho anche questa concezione della fotografia in senso cromatico: contrasti, buio e luce, neuroni sotto controllo e neuroni fuori controllo, capelli neri contro i capelli castani e capelli biondi. Sami Gayle (che interpreta Erica) aveva i capelli castani. Il che per me implica una “zona fuori controllo”, così ho cercato un Henry Barthes che avesse i capelli neri, un uomo calmo, controllato. Ho trovato che  Adrien Brody si adattasse alla perfezione. Così l’ho convinto a gridare e urlare e buttare sedie tutt’intorno, l’ho convinto a esplodere e tornare alla calma per ritornare ad essere un uomo sotto controllo, per diventare un genitore”.

“Abbiamo la grande responsabilità di guidare i nostri giovani in modo che non finiscano per crollare o arrendersi, diventare insignificanti” (Henry Barthes).

La giovane Meredith, allieva di Henry, tutta angosce passione per l’arte e talento purissimo, soccomberà a un finale di partita inevitabile e spietato. Alle spalle una famiglia gretta, un padre che non farà altro che scoraggiarla, degradandola, sottolineandone l’aspetto fisico poco piacente e l’impraticabilità di sogni campati in aria. La ragazza si toglierà la vita e sarà allora che Henry comprenderà. Questo è il percorso del personaggio, la storia del distacco. Meredith lo condurrà all’inferno e ritorno. Per il ruolo dell’allieva sucida, Kaye ha subito pensato alla figlia Betty. Dirà in un’intervista: “ Per quel che riguarda mia figlia Betty, ho sempre pensato a lei (per tre anni in realtà) per interpretare il ruolo di Meredith. Betty non assomiglia al personaggio nella vita reale, lei è molto fiduciosa e molto forte e ultra-determinata a riuscire nella vita, ma ha avuto anche un’esistenza difficile: ho calpestato la mia famiglia quando ero molto giovane.

Ero molto egoista e pieno di ego. Betty aveva cinque anni e la prese molto male. Rubino, sua sorella, ne aveva due e non ha mai compreso davvero le mie azioni. Betty ha sofferto molto e credo proprio che abbia portato in superficie quelle emozioni nella sua interpretazione di Meredith. Non ho mai saputo se mi sarebbe stato permesso di scritturare mia figlia come una dei protagonisti, perché sarei stato accusato di nepotismo o qualcosa del genere, ed ero abbastanza preparato. Se avessi trovato qualcuno migliore di lei non avrei avuto scelta e Betty avrebbe rischiato di non parlarmi per anni, ma la verità è che lei è stata assolutamente perfetta durante l’audizione e via via dava sempre il meglio per quel ruolo, la sua recitazione era così dannatamente vera”.

Al termine di pellicola Henry dovrà cambiare nuovamente scuola. Entrerà in classe. Prima lezione. Il racconto La rovina della casa degli Usher si farà metafora di una globale pesantezza ad accomunare l’umanità intera: la descrizione di ‘uno stato d’animo’. Una visione apocalittica quella finale. Un’aula deserta, sedie rovesciate  a terra,  fogli e fogliame secco ovunque. E’ la fine del mondo, l’olocausto del sistema umano e scolastico insieme.

“Per tutta una fosca giornata, oscura e sorda, d’autunno, col cielo greve e basso di nuvole, avevo cavalcato da solo attraverso una campagna singolarmente lugubre, fino a che mi trovai, mentre già cadeva l’ombra della sera, in vista della malinconica casa degli Usher. Non so come, ma appena l’ebbi guardata una sensazione d’insopportabile tristezza mi prese l’anima. Insopportabile, dico, già che non le si univa il sentimento poetico e perciò quasi piacevole che accompagna in genere le immagini naturali anche quando siano le più cupe della desolazione e del terrore.

Guardavo la scena che mi stava davanti. E lo spettacolo della casa e del paesaggio all’intorno, le fredde mura, le finestre come orbite vuote, i radi filari di giunchi e alcuni bianchi tronchi risecchiti, mi davano un avvilimento così estremo che potrei paragonarlo soltanto allo stato del mangiatore d’oppio durante l’amaro ritorno alla realtà quotidiana, l’orribile momento in cui il velo dilegua.

Era un gelo nel cuore; e una oppressione, un malessere, e nella mente un invincibile orrore, che la rendeva inerte ad ogni stimolo della fantasia. Che cosa, dunque, mi soffermai a pensare, rendeva tanto penosa la contemplazione della casa degli Usher? Ma rimaneva un mistero insolubile; né io riuscivo ad aver ragione delle ubbie tenebrose che mi si affollavano dentro mentre riflettevo. E fui costretto a ritrarmi sulla conclusione poco soddisfacente che esistono combinazioni di oggetti naturali e semplicissimi che hanno potere di rattristarci fino a un tal punto, ancorché l’analisi di questo potere dipenda da considerazioni troppo profonde rispetto a noi. Pensavo che forse una qualsiasi differenza nella disposizione degli elementi della scena, dei particolari del quadro, sarebbe bastata a modificare o persino forse a distruggere tanta forza di dolorosa impressione spinto da questo pensiero, condussi il cavallo sulla riva scoscesa d’un lugubre stagno d’acque morte che si stendeva, nel suo nero luccicore, presso la dimora; e guardai, ma ne ebbi un tremito ancora più profondo; guardai riflesse, capovolte, le immagini dei giunchi di cenere, dei tronchi sinistri e delle finestre simili ad occhi vuoti.” (Edgar Allan Poe – La Rovina Della Casa Degli Usher)

Un film di Tony Kaye

Con Adrien Brody, Samy Gayle, James Caan, Christina Hendricks, Lucy Liu, Marcia Gay Harden, Brian Cranston, Betty Kaye, Tim Blake Nelson, Blythe Danner, William Petersen

Titolo originale: Detachment

Genere: Drammatico

Durata: 97 min.

Sceneggiatura: Carl Lund

Produzione: Greg Shapiro, Carl Lund, Austin Stark, Benji Kohn

Produttore esecutivo: Adrien Brody

Distribuzione (Italia): Officine UBU

Montaggio: Michelle Botticelli, Barry Alexander Brown

Fotografia: Tony Kaye

Musiche: The Newton Brothers

Scenografia: Jade Healy

Costumi: Wendy Schecter